miércoles, 10 de septiembre de 2008

Index de texts publicats

Cees, al seu Jardí

Solbes Arjona, el artista ensimismado

Dori Cantó, una artista transparent

El Mercado del Arte en Alcoi (II)

El Mercado del Arte en Alcoi (I)

De manos femeninas. Arte actual en Alcoi

Alcoyanas con pincel

Beatriz Rico. El retrat del seu doble








miércoles, 3 de septiembre de 2008

Cees, al seu Jardí





Si ens agafem al tòpic, que és un dels pocs llocs comuns on agafar-nos, al tòpic, dic, que diu o li fem dir que només els xiquets i els bojos diuen la veritat, haurem d’afegir que igualment els artistes es troben, si més no, en el camí de la veritat. Fins i tot quan diuen mentides, els xiquets i els bojos està dient la veritat, la seua veritat subjectiva, l’única en què podem creure. No la mentida que busca beneficis, no; la mentida trasparent, la que és de veres.

La veritat artística dels xiquets, abans que entren a ensenyar-se la mentida a les escoles de belles arts i altres acadèmies. La veritat dels bojos abans de caure en les mans dels psiquiatres. Mireu, en aqueste cas, l’Art-Brut.
Dels artistes, haurem de rescatar els ingenus, nascuts lliures d’esperit i sense duplicitat ni falsia. La ingenuitat del Douaner Rousseau, sense anar més lluny, bé que en tenim un de més prop.

Jesús Cees, de qui celebrem una Mostra del seu Jardi plàstic, al Palau Comtal de Cocentaina; a la cerimònia de la re-presentació de la seua obra, difícilment presentable perquè pertany al món de la innocència, que està a l’altra vora del riu, al país de la felicitat de fer pintura per a ningú, per a no res.
Cees, igual que un xiquet anat de la mà i en contra de la llei quotidiana i consetudinària, ho pinta tot. Tota base que puga ser pintada i cau a les seues mans, se’n duu la seua pincellada; tant se val que siga un llenç, una porta, un troç de roba, un bidó metal.lic, un tros de paret. És el xiquet que “embruta” la casa. I ací apareix també l’art brut, l’art “irracional”, “immund”. Paraules que empre no en sentit figurat, sinó brutal.

El jardí pictòric de Cees és igual que els dels terrorífics contes infantils. En la seua aparença bonica, de floretes, animalets i coloraines, s’amaguen els perills que la nit de l’inconscient fa que mostren el morro i la cua. És un jardí ple de paranys, diferentes als de la vida civilitzada, dominada per l’ordre de qui mana, el Súper Jo i el sesu codis (penal, de circul.lació o de bones maneres de comportament, de correccions polititzades). Si entreu en aquest jardi, deixeu fora tota esperança, en diria el Dante tot referint-se a aquest Infern-Paradís pictòric.

I per acabar, o per començar a endinsar-nos en el Paradis, o en l’Avern, de Cees, direm del Cinisme. No el cinisme que circula en la societat capitalista salvatge, entaulellada, urbanitzada de hui. El Cinisme de Diògenes. Aquesta manera de viure, de pintar, de fer art, fora de les convencions socials. Perquè d’algun lloc eixirà aquesta acumulació de materials que Cees duu amb ell, conviu amb ell, ens ha dut ací per compartit-la per unes setmanes. Tant de bo aquesta exposició ens faça entendre de quina banda està el Mal i de quina l’Art, i ens faça entendre que al món de l’Art, o al marge d’aquest, hi ha figures que de la innocència, de la bojeria, dels límits del Cinisme de l’Escola del Gos (¿sabeu que Cees té un gos a la seua nau de creació?), l’Escòla d’aquest Diògenes que és Cees, fan art. Aquest Cees que ens duu al laberint pictòric d’un món que fins ara ens era desconegut. I Cees ens convida a entrar-hi.

J.L.Seguí, escriptor


martes, 26 de agosto de 2008

Solbes Arjona, el artista ensimismado


En buena parte del suelo del amplio estudio de trabajo del artista Solbes Arjona, me encuentro con cartones pintados, obras ya acabadas –si las mismas obras y su creador así lo deciden-, de nuestro artista. Huele a óleo, que es un olor que desde niño me fascina, ya que en mi familia también había una pintora: Nolín Seguí.
“El acrílico ya lo tengo dominado. Ahora prefiero el óleo, la dureza del óleo”.
El diálogo con este hombre de la plástica, escritor, poeta y exquisito conversador de la filosofía del arte, se produce rodeado de sus obras más recientes -que expondrá en el Centre Cultural-CAM en diciembre próximo-, y en un ambiente de total relajamiento. Algo de los diálogos platonianos se ha filtrado en el estudio del artista.
EN EL COMIENZO
¿Cómo empieza a crearse una pintura? “Tiro color sobre el cartón o el lienzo. Un gesto inicial, una mancha que es la que estructura la composición pictórica. De aquí, va evolucionando; intento que el cuadro se haga solo. O se deshaga, que llegue a un punto en que haya que destruirlo; porque él te lo pide, te lo impone”.
¿Hay una idea previa? “No. Cuando pinto, elimino todo pensamiento, hago desaparece el Yo, todo lo que no esté o haya de estar en el cuadro. El cuadro tiende a desaparecer, a escaparse. Y he de intentar retenerlo. El cuadro acabado me es indiferente; me complace la emoción de pintar, el ser del pintor”. Cuando acabo un cuadro, hay otro lienzo en blanco esperando ser manchado”.
SER ARTISTA
¿El ser del artista? “Sí, pintar es el hecho de ser artista. La realidad queda fuera. Y nadie ve el cuadro que pinto. No hay un espectador imaginario. Sólo por supervivencia el artista necesita del espectador, que vea el cuadro, más aún, que lo adquiera. Lo que deseo es que cada día haya más y más obras. Aunque no haya espectador. Pinto sin saber por qué. A veces me digo ¿esto lo he hecho yo? Pero el Yo no está, se ha ido con el cuadro”.
¿Es Solbes Arjona un pintor que se ‘ha salido’ del proceso histórico del Arte?
“Puede que sí, Seguí; no ha habido propuestas del pueblo con el que vivo. Y me siento orgulloso en un campo de trabajo, de creación, que no es en absoluto favorable. Así he llegado a la creatividad por sí misma, que no tiene nada que ver con ‘el arte por el arte’. Es la creatividad en ella misma y yo como creador. Ya he perdido la memoria del resultado. Sólo quiero pintar. Y cada vez ‘peor’, sí”
LA PROPUESTA PICTORICA
Debe haber algo que mueve los dedos de Solbes Arjona para ir al cuadro y mancharlo, ¿no es así? “Soy como un pintor prehistórico. No por acercamiento al otro, sino por alejamiento del otro. Ya ves que utilizo colores primarios. Para mí, el hecho de pintar ha superado al hecho de sobrevivir”.
¿En Alcoy? “Aquí no hemos tenido un verdadero siglo XX pictórico. Y ahora que estamos en el XXI, así, como tras en un salto al vacío, resulta que todos los pintores son buenos. ¿Y yo qué?, podría preguntarme. Bien, sí; son todos mejores que yo. Porque hay una distancia entre quienes pintan para triunfar, vender, figurar, y el hecho de ser artista. Porque a mí nadie me ha hecho una propuesta artística de verdad”.
CANARIAS, VENECIA, ALCOY
“Yo sé vivir como un artista, lo sé hacer y esa es mi vida y mi ser. Aquí, después del páramo de Canarias y la decadencia putrefacta de Venecia, Alcoy me ha permitido ser un artista y vivir como tal. Sin tantos condicionamientos culturales. Aquí lo encuentro todo: marcos, bastidores, telas, todo tipo de material necesario para pintar. Aquí tengo amigos con los que salgo a cenar, a charlar, a jugar al futbolín, al ajedrez… “
ARTE AGRESIVO
Solbes Arjona, según yo lo conozco, es un hombre pacífico. En su pintura, sí que entiendo que hay agresividad plástica, provocación.
“Quizás lo que tu ves en mí, Seguí, es la mirada desilusionada. Y esa agresividad de mi pintura quizás responda a lo que en mí ha habido de total ‘des-perfecto’ al venirme a vivir aquí. Y están las frases que escribo en algunos cuadros. Donde no puede llegar la pintura, llega la literatura. Para mí la literatura, escribir, es un regalo. La pintura requiere un mayor esfuerzo. En ocasiones, escribo en el lienzo y luego esa escritura se va cubriendo con la pintura. Pero al principio es el Verbo. Creo que acabaré haciendo versos”
LA BOHEMIA, LA MÏSTICA
“Nunca he sido un bohemio, aunque alguien te haya dicho de mí tal estupidez. El bohemio es el colateral, el diletante. El artista absorbe la energía malgastada del bohemio. Como artista, soy vitalista, me gusta la calle”
Solbes Arjona, lía un cigarrillo de hebra de tabaco mientras yo tomo unos sorbos de vino fresco. Y el artista continúa con su reflexión:
“Soy un artista radical, no un amanerado. Es la inconsciencia lo que me hace ser artista, la vida no me ha hecho ninguna otra propuesta. Al tiempo, me alimento de la relación con los otros. Y, sí; hay una mística; si no, no hay quien lo aguante. Con la Mística vives en el vacío, la Ciencia muestra ese vacío. Con el Arte, emulas y das tu opinión. El artista vive más en la Cultura, mientras que el simple pintor está enganchado en la técnica”.
¿Los sueños? “Intento eliminar los sueños, la esperanza, las ilusiones. Los genios del arte lo son o han sido por consideración. Yo lo soy por desconsideración. Un hombre que pinta y que la Historia pondrá en su sitio”. ¿El placer? “Pintar no es un placer. Cuando dominas una materia, puede parecer placentero. Mi manera de pintar es pasional, y encuentro goce en la dureza. Hay una poderosa mano en mi cabeza, que determina lo que me ha pasado y lo que no. Aunque cada vez sé menos de pintura.
¿El arte, un espejismo? “El espejismo que se ha impuesto como laberinto. Sí, la pintura es espejismo. Yo vivo en la pirámide multicolor. La alucinación conforma tu identidad. La carencia de los otros te hace aproximarte a la alucinación. Igual que la locura, que es patrimonio de los artistas pobres”.
EL RENACIMIENTO
Volvemos al tema de Alcoy y la pintura alcoyana. Solbes Arjona es quien mejor entiende este proceso, ya que ha reflexionado y escrito sobre ello.
“Vivimos en el mejor siglo para el arte. Es la primera vez que el mundo tiene tantas ideas y formas de realizarlas. Es como un Renacimiento. El fracaso de la Escuela alcoyana clásica es haber creído en una extinta burguesía. Ahora empezamos a recuperar no ya los años, sino los siglos perdidos.
Y quiero vivir este momento en Alcoy. El mejor regalo que me ha hecho la vida es poder vivir y ser un artista en Alcoy.

(J.L.Seguí. Ciudad de Alcoy, Domingo 24 de agosto del 2008)

martes, 29 de julio de 2008

Dori Cantó, una artista transparente



Con la artista plástica y empleada en la Sanidad pública, también una amiga desde hace algún tiempo, tampoco mucho, no cabe los subterfugios, la artimaña, los viejos trucos de periodista avezado. Dori Cantó, artista, profesional en Sanidad y persona social, es una de las mujeres, de las personas, más sinceras y sencillas que he conocido. Dice la verdad, a la hora de comenzar esta entrevista que quedará por escrito y publicada. Ella sabe que siempre que hablamos hemos de decir la verdad, aunque no es necesario hablar siempre. Y ese es el principio de acuerdo en esta indagación sobre su “otra cara de la luna”.
Pese a su simpatía, no quiere tomarse el asunto con frivolidad, y me trae unas notas que previamente ha reflexionado y escrito. Porque en su obra plástica vemos de continuo imágenes de mujeres, iconos publicitarios de la Moda, ensamblajes irónicos sobre las novias en el día de la boda, una de ellas en su vestido “palabra de honor” –esos que no llevan tirantes en el escote-, que dicen: lleva la inscripción:“La maté porque era mía”.
MALOS TRATOS
Lo que nos lleva al candente tema del maltrato conyugal. “Pienso que los trabajos plásticos ha de invitar a la reflexión; no han de justificarse, hay que dejar que los espectadores saquen sus propias conclusiones”. Refiriéndose a su última exposición, en la CAM, “Les gràgrimes són transparents”, me comenta: “En la instalación “Paraules d’amor? La maté porque era mía”, el registro era el de la noticia de prensa, no en absoluto un manifiesto feminista. Una anécdota grave y muy seria hizo que cambiara de repente el vestido de novia por otro. La historia sucedió mientras preparaba la exposición. En este caso yo estaba en el otro lado de la noticia. Y la experiencia se transformó en otra obra plástica”: “Paraules d’amor? Es tan corto el amor y tan largo el olvido”. Y aclara: Era un homenaje al Neruda de los “20 poemas de amor… ”. Otro tema, “’el desamor’. Antes yo no creía en el amor. Ahora, sí”
¿EL AMOR?
“Yo no soy una divorciada, nunca me he casado. Me considero festiva. Me gusta divertirme y cuando me toca llorar, también lloro, aunque procuro que sea en la intimidad. Soy muy pudorosa”.
¿Y esa atracción por el tema de la boda, de los vestidos? “He visto bodas y bodorrios; divorcios discretos y divorcios traumáticos. Alegrías y lágrimas. Pero indistintamente en hombres y mujeres.”
CUERPO DE DESEO
El cuerpo de la mujer es objeto de la mirada del hombre –la “male gaze”, que dicen ahora las feministas norteamericanas, en son de queja y de combate-; es belleza, decadencia en la vejez, dolor, sufrimiento, enfermedades… ¿Es lo que esconde la Moda? “Yo utilizo la Moda en mis trabajos, sobre todo en los collages y en las instalaciones. En los collages, ‘la bellesa i la vellesa’; aparecen modelos jóvenes y viejas; juego con la ‘B’ de ‘Bellessa’ y la ‘V’ de ‘vellesa. Aquí trato la Moda, la publicidad y el consumismo”, y aun añade: “Me gusta utilizar la Moda como registro. Por otra parte, trabajar en un hospital hace que todos los días estés en contacto con el dolor, el sufrimiento i las enfermedades. Es difícil de plasmar todo eso en el arte; estoy actualmente con ese tema. Es difícil pero me interesa mucho como artista y como persona”.
DE LO PROFANO A LO SAGRADO
Es difícil, sí, para un profano, entender cómo se traslada a la obra plástica.
“Para mí, en ella misma, la vida es una fuente de inspiración. Me considero una espectadora de la vida. Es por eso que del mismo modo gozo de un cuadro, un libro, una película o un paisaje natural”. Y Dori Canto, esta artista reflexiva y lucida, me dice: “La vida es un paseo donde hay que abrir los ojos para aprender a mirar”. Y aún añade: “La grandiosidad de la vida está precisamente en la sencillez de las cosas. Puedo volar a la Patagonia Argentina y hacer una excursión por encima de un glaciar. Pero siempre he sido feliz paseando por el Barranc del Cinc”
DE VUELTAS CON EL MALTRATO
Dorí Cantó, como entre paréntesis, pero dándome la oportunidad de publicarlo, me cuenta que mientras preparaba una exposición, un escultor de Valencia, y profesor, fue denunciado por su esposa “por malos tratos”. Vivían a cientos de quilómetros, en comunidades distintas; compartían la custodia del hijo, sin problemas, y apenas se veían. Por su puesto la denuncia del maltrato resultó falsa. Pero el hombre tuvo que pasar por el trago de ser detenido ante sus alumnos, adolescentes; pasó una noche en la cárcel, y aunque salio absuelto de todos los cargos, falsos, que le imputaba su ex esposa, cayó en una depresión profunda. Esto dio a Dori Canto una visión diferente de la tópica del maltrato conyugal. Y le afecto a la hora de enfrentarse a su trabajo artístico, porque había afectado a su vida. “Vives detrás de la noticia, pero la realidad se cuela en tu vida”.
AMIGOS, AMIGAS
“Mi relación con los hombres y las mujeres ha sido casi siempre profesional y de amistad. He tenido buenas amigas; siempre he cuidado valores como la honestidad y el respeto. He gozado de confidencias y he compartido cosas en común como son la cultura y los viajes. Un concierto, una buena película, un viaje, una exposición o un paseo por la Sierra siempre han sido más agradables en compañía. Y más aún al lado de una amiga”.
Y LA INEVITABLE SOLEDAD
“La soledad me gusta. Tener tiempo para mí misma y saberlo aprovechar me han permitido desarrollarme como persona. Hay una frase de Rilke, de sus “Cartas a un joven poeta”, mi libro de cabecera, que me gusta mucho: “Es bueno estar solo, porque la soledad es difícil. También es bueno amar, porque el amor es difícil”.

¿Y Dori Cantó? “A nivel sentimental, estoy viviendo la época más importante de mi vida. Y ya que estamos hablando de la luna, la calificaría de un momento mágico”.
TRIVIALIDADES
Llegados a este punto, a ese final mágico, se me ocurre trivializar este viaje a la luna y preguntarle a Dori Cantó: ¿Tus pintores preferidos? “Pollock, que es la abstracción al límite, en particular el “Number 3” que está en el MOMA; Edward Hopper, como la figuración americana más atrevida”
Gran viajera, Dori Canto busca conocer otras culturas. Y llega más lejos cuando le pregunto por sus lugares preferidos:
“Cada país o ciudad tienen un color y un olor. Yo gusto de ponerles color a los paisajes. “Estambul es el azul ultramar; Ushuaia, en Tierra de Fuego, Argentina, es el blanco total. Florencia, todos los colores del arte que contiene.
(J.L.S. Ciudad de Alcoy)

miércoles, 23 de julio de 2008

El Mercado del Arte en Alcoi. 2






¿PINTORES SIN HISTORIA?


Lo que nos lleva a preguntarnos –para evitar afirmarlo- si todos esos pintores “comerciales” de nombre y renombre, que están fuera de la historia del arte, que nunca se han integrado en ella, anclados en el academicismo naturalista más simple –por muy bien elaboradas que estén sus pinturas-, si “pasarán a la Historia”. Pues no. A no ser que sea como muestra de lo anticuados, o más bien lo nulos como artistas que eran aquellos pintores que tan considerados estaban por la clase/ideología dominante, que tanto vendían y tanto dinero ganaban.


ARTISTAS Y PINTORES COMERCIALES
La definición es del artista Eduard: “Hay pintores, que tienen un gran dominio técnico, mucho oficio, pero que se limitan a copiar del natural, o más bien de fotografías, y dan como resultado una pintura mimética, sin ningún significado más allá de la representación pictórica del modelo (retratos, paisajes, bodegones, etc.; aunque no muy largo, el etc.). Y están los artistas, que quizás sin tanta técnica aprendida en las escuelas y academias, son verdaderos creadores. Trazan sobre el papel, el lienzo, o en esculturas, obras que surgen de su propio imaginario, de su fantasía y de su visión de la realidad; crean también formas plásticas nuevas, diferentes, que nunca antes se han visto o no de la manera como las hace el artista, lo que es muy notable en el arte abstracto y en el figurativo que no se somete a cánones académicos”


UNA EXPOSICIÓN PARA LA POLÉMICA
El pasado año, con una exposición que venía montada desde la Diputación de Alicante, titulada pomposamente “30 Pintores Acoyanos del Siglo 20”, donde se recogían, entre otras, obras de Castañer, Solbes Arjona, Manolo Antolí, Mercé Payà, Barrachina, Sento Masià…, hubo una polémica promovida por Antoni Miro y Sento Masià, ya que mostraban su disconformidad por figurar sus obras junto a las de quienes ellos consideraban pintores simplemente “comerciales” -no todos los restantes, si algunos muy significativos. Claro está que estos dos disidentes –muchos que estaban su misma condición de artistas “diferentes” a los “comerciales”, nada dijeron sobre el asunto, al menos públicamente y que yo sepa-, Antoni Miró y Sento Masià no atacaban, ni cuestionaban, el hecho de que la obra artística tenga como destinatario un cliente (institucional o privado) que la adquiera; por gusto de tenerla, para ornar las paredes de su casa, como coleccionista, como una hipotética inversión económica…, sino que se mezclaran conceptos tan diferentes del oficio de pintar. Antoni Miró explica, en el texto que figura en este dossier, las diferencias particularmente ideológicas de ambas posiciones ante el hecho de la pintura.

LOS ARTISTAS ANTE EL MERCADO

JESUS MULLOR
El alcoyano Jesús Mullor ha encontrado un mercado para sus exquisitos grabados sobre resinas en galerías de otras plazas: México, países europeos, Barcelona, Murcia, otras muchas ciudades del Estado Español, y ahora mismo Madrid. Mullor habla de una época álgida del mercado alcoyano, cuando eran varias las galerías que estaban abiertas. Aunque confía en las nuevas generaciones de artistas y en iniciativas como el espacio de arte La Nòmada

LA SAN JORGE
La última en cerrar fue la Galería San Jorge, que pudo suponer un duro golpe para pintores y pintoras que estaban empezando a vincularse a ella, aunque muchos de ellos no han roto este vínculo y montan exposiciones de la mano de Chelo Llorens, en Oviedo, Granada, Valencia, como es el caso de José Borrell, un pintor que pinta a la manera naturalista, con temas tan clásicos como el desnudo femenino, aunque siempre buscando algo así como un toque surreal que le haga trascender la simple copia de la modelo.
De este modo, aun adaptándose a las exigencias del mercado –el mercado en el que se mueve-, “violenta” el clásico cuadro de venta segura para ir trazándose otros caminos de acuerdo con su gusto y el de otros posibles degustadores del arte. De otros pintores vinculados en su momento a la San Jorge, donde exponían con frecuencia o había cuadros en la trastienda de la galería, sabemos poco de lo que hacen en este momento (ese es otro tema, otra trabajo de investigación, digamos, en el que me embarcaré cualquier día de estos). De Miguel Peidro nos llegó la noticia de que había expuesto su obra en Japón, luego es posible que en algún despacho de las grandes empresas niponas cuelgue tras la mesa del director una vista al óleo del Barranc del Cint. Estaba Germán Aracil, realizador del cartel de la Festa el pasado año. También otros, y otras, que se habrán buscado su propio mercado.


ANTONI MIRÓ
Nacido en el 1944, es uno de nuestros artistas con una mayor proyección internacional. Pocos museos y galerías habrá donde no haya expuesto su obra; decenas de catálogos y libros (uno de ellos biográfico) recogen su trayectoria artística y muestras de su obra. Trabajó cercano a los movimientos del realismo popular de los años 60-70 (la Crònica de la Realitat); su arte ha sido siempre crítico, combativo (con una parcela más intimista, erótica, igualmente, o de aspectos poéticos de algunas ciudades como Lisboa) y ha buscado su mayor difusión con la edición de obra gráfica. Su estudio de trabajo es una verdadera factoría en este sentido. Recogemos aquí su opinión sobre el tema del Mercado del Arte en un escrito que el artista me remite por correo electrónico:

“La pintura anomenada "comercial" a Alcoi (tothom comprén el terme) és la que es desconecta del món cultural i algunes voltes s’hi contrapesa. Té una gran difusió perquè està feta a la mida del gust -o del mal gust- predominant; en certa manera representa la ideologia dominant de la classe burgesa i la oligarquia i no té una altra funció que "agradar".
Per a mi la pintura és fonamentalment un mitjà de comunicació i de coneixement, d'intercanvi d'idees; la bellesa en si ja comunica i no té res a veure amb l'estereotip del "cèrvol i el riuet" que és tot el contrari, però la no bellesa pot ser també molt atractiva si tot això està dins d'un context cultural i té un sentit, una motivació, un perquè.


El mercat de l''art, cada vegada és més gran i abasta més artistes que fan una obra singular (no repetitiva, com l'anteriorment esmentada) i alhora que creix busca rentabilitat; també hi ha un creixent col·leccionisme que tria i selecciona que és exigent i que es nodreix de professionals de reconeguda vàlua.
Les escoles en si mateixes mai son dolentes. Els pintors que volen apendre, tampoc, si saben encaminar-se i aprofitar els coneixements per a crèixer com a persones. Ara bé, si el que volen es guanyar diners ràpidament, en eixe cas no es diferencien res dels compradors del nivell mes baix de l'escala del mal gust. Les institucions públiques (es que existeixen?) en són molt responsables i, en el cas d'Alcoi, encara més, doncs s'han dedicat més a desfer que a construir, Alcoi ja no serà mai aquella ciutat que molts varem sommiar fa alguns anys.
Si la quantitat fora un valor determinant, Alcoi seria la primera potència mundial. No obstant, hi ha un jovent molt interessant i no dubte que alguna cosa sortirà de tot això. Tenim un passat gloriós, amb Gisbert, Sala, Cabrera etc., que fa molt dificil per qualsevol apropar-se al nivell dels nostres mestres." (Toni Miró)


El Mercado del Arte en Alcoi. 1



UNA INDUSTRIA, MÁS QUE UN MERCADO

Hace unos días estuve en el estudio de una profesional de la pintura, digamos, artística o decorativa; una pintora, en definitiva. Esa es su tarea: pintar cuadros, y de eso vive. Merece, pues, el titulo de profesional. También el de pintora, ya que entre pinceles, lienzos y pinturas se mueve. ¿Artista?
Me aseguró que venía a pintar unos 20 cuadritos iguales, de un mismo modelo (una paisaje, un bodegón…) al día, o a la semana, tanto da. Igualmente me enseñó lienzos por ella pintados de carácter abstracto, todos siguiendo un mismo modelo, no de su inspiración, sino que le llegaban de la industria o comercio para donde trabajaba. Seguro que hay más pintoras como ésta; lo sé, las hay.
EN OTROS TIEMPOS Y LUGARES
Hace años visite un taller donde varios empleados pintaban cuadros en serie. Incluso había modelos, paisaje o flores, en los que cada uno, más bien cada una porque eran mujeres bajo la dirección de un hombre, ponía el azul del cielo en todos los lienzos, y otra el rojo de las rosas, mientras las otras chicas iban llenando huecos, poniendo otros colores donde correspondía según el modelo, dictaba el director del taller, que no la inspiración o el propio gusto.
Esto hace suponer que existía un mercado del arte, para el arte, si es que admitimos que esta pintura es arte. Al fin y al cabo, cuadros para adornar las paredes de las casas, que es como se ha hecho la pintura cuanto menos desde el Renacimiento: para ornar palacios, iglesias, el Vaticano mismo; y luego para las casas burguesas. Pintura, o escultura, por encargo, que realizaban artistas a altos precios o que estaban empleados para ser pintores de la casa. Desde Miguel Ángel a Velázquez y Goya, cuanto menos.
PINTURA Y DERIVADOS
Esta industria del cuadrito generó cuanto menos, en Alcoy, además del benefició propio de las empresas particulares que a ello se dedicaban y se dedican, unas industrias subsidiaras, como las de los bastidores, lienzos, pintura y otros utensilios necesarios para el acto de pintar. Y sus respectivos comercios.
DEL GUSTO
También es de suponer que ha generado un gusto o ha contribuido a asentarlo. El del arte naturalista, de procedencia académica, y un arte decorativo que no va más allá de la artesanía por parte de quienes lo realizan.
Esta pintura la encontramos en las shops de los hoteles norteamericanos o de Benidorm. Y multitud de tiendas específicas, donde venden marcos para lienzos y también lienzos ya enmarcados, en el mismo Alcoy. Una pintura que lleva el calificativo de alcoyana, porque aquí se fabrica, igual que las aceitunas rellenas de anchoa -bien que la materia prima sea foránea-, aunque estas lleven como marca el nombre de un territorio mucho más amplio, no sabemos bien si porque son alcoyanas y por tanto españolas, o la alcoyanía marca, da sabor, orna copas de martini, supone la españolidad.
OPINA UN ARTISTA
El artista Jesús Mullor (1956), preguntado sobre el tema, apunta que este tipo de industria de que hablamos tiende a desaparecer, por saturación o por la competencia de otros países con un mayor nivel de producción y más barata. Lo que el artista celebra, porque dice que este tipo de pintura en serie industrializada no le hace ningún bien al arte y al gusto de quienes puedan contemplar arte e incluso adquirirlo.

EL COMERCIO DEL CUADRO PINTADO
Pues me dio por entrar en uno de esos establecimientos donde si llevas un lienzo pintado, o una lámina y hasta una foto, te lo enmarcan y que al tiempo hacen función de galería comercial con cuadros pintados, firmados, enmarcados y todo. En el escaparate había unos pocos, que cada quince días veía que cambiaban, pero dentro era un verdadero centro comercial de la pintura en sus más diferentes formatos, estilos –esto no tanto-, temas, procedimientos… y firmas. Las firmas, ininteligibles o desconocidas –dentro del conocimiento que tenemos de los pintores y pintoras alcoyanos-, no se repetían en exceso, aunque sí que se palpaba el mismo pulso en diferentes estilos firmados con distinta grafía. Pueden encontrarse cuadros que pretenden ser abstractos, y no pasan de burdamente decorativos, ya que el abstracto es casi imposible que sea imitado; figuras diversas, niños, mujeres en escenas costumbristas, ningún desnudo; bodegones, paisajes, marinas, barcos veleros de lejanas batallas… Son cuadros para la sala de estar, ¿para el dormitorio?, para la terraza de la casa de campo: aquí irían bien los “abstractos”. Nada que objetar a estas tiendas de arte copiado, ni sobre quienes han elegido o se han visto forzados a pintar esta clase de cuadros; tampoco a los compradores hay nada que decirles, o quizás sí: que el arte es otra cosa, que hay otra pintura de una gran belleza estética, aunque no sea precisamente para colgarla donde la puedan ver ciertas visitas.
Es el mercado de la artesanía, que eso es esta pintura; más que del mal gusto, del poco gusto. Bien que es una pintura que no está sometida a la crítica, está fuera de la historia y al margen del arte contemporáneo.

martes, 15 de julio de 2008


De manos femeninas
El Arte actual en Alcoy realizado por mujeres


Las exposiciones de artes plásticas con obras realizadas por mujeres se suceden en los espacios públicos y privados. Muestras colectivas, individuales, junto con otros artistas, en formatos y estilos nada habituales. Artistas nacidas en Alcoy o que aquí residen y trabajan en su obra creativa; que se forman en L’Escola d’Art i Disseny, en la Politécnica de Valencia o que obtienen becas para completar los estudios en Madrid, en Roma, y desarrollan un aprendizaje más completo en ciudades europeas punteras del arte actual como Barcelona y Berlín. Todo lo cual redunda en el arte alcoyano, lo hace más universal, lo enriquece con nuevas experiencias artísticas y personales.
Las nuevas artistas, con un bagaje cultural amplio y moderno, un sentido de la creación estética sin restricciones ni vasallajes ajenos, arriesgándose sin temores en cada obra, lanzando nuevas propuestas, en una búsqueda continua de la expresión subjetiva y la intervención en el mundo cultural.


UN ARTE NUEVO
Es un arte diferente, en cuanto que rompe con los esquemas dominantes, acaba con los géneros más manidos –el retrato, el paisajismo- o los reelabora con una nueva mirada y una intencionalidad distinta a la conocida.
Insertas en el continuo de la Historia del Arte y en el contexto global del arte actual, estas artistas –escultoras, pintoras-, abarcan con su personalidad propia y en su individualidad las técnicas y los modos más variados: la estética de los graffiti, la escultura, los ensamblajes, el grafismo, el collage, las instalaciones, la pintura y el dibujo sobre lienzo o papel con una elaboración plástica que las hace diferentes a lo que habíamos visto antes.
Porque el arte es esa manera diferente de posicionarse ante la realidad objetiva y la propia subjetividad; es una manera de mostrarnos el mundo –el material y el de las ideas y los sentimientos- con una nueva mirada, para descubrirnos lo que no sabemos, para nombrar este mundo de otra manera, para crear otro mundo, un mundo otro, en el cual también estamos implicados como espectadores.


DEL GENERO AL ESPECÍFICO
Lejos de todo encasillamiento por género (la mal llamada “pintura femenina”), aquí se trata de ver lo específico femenino por medio de unas artistas que unen a su calidad artística técnica y formal una visión del mundo y de la estética con rasgos diferenciados. Aun cuando pueda haber opiniones distintas en cada una de ellas sobre la cuestión, planteamientos teóricos y analíticos en contra de mi elección y propuesta, o miradas que ven “con otros ojos” este apreciación del arte marcado por la diferencia de género sexual y la condición social de cada artista en cuanto mujer. Esta es mi propuesta teórica y mi riesgo.


LA ARTISTA ES EL ESTILO
Entiendo que el objeto del arte existe por si mismo una vez realizado y hecho público; deja así de tener género. Incluso deja de tener nombre. La firma es sólo un indicativo de propiedad trasferencial. Del mismo modo, los estilos pertenecen al acervo del arte y son sólo un marco donde inscribir “el estilo” de cada artista, el estilo que es cada artista.
Aquí se trata de ver lo femenino en el arte. Incluso podríamos, aunque no es el momento, de desentrañar lo que de femineidad contiene el arte todo. El arte como desgarro y manifestación de lo profundo del ser humano, como conocimiento y demostración de lo oculto, incógnito, verdadero.


LA DIFERENCIA FEMENINA
El lenguaje viene atravesado por la diferencia. Así se estructura la mente humana, con el lenguaje, y éste se determina, se mueve, transforma, petrifica o subvierte con todas las característica subjetivas, personales, de quien habla, de quien “dice” algo mediante cualquier lenguaje. De ahí la diferencia: de género, de tribu, de cultura, del ser en sí mismo.
Las artes plásticas, como podemos decir de todos los lenguajes, están dominadas históricamente por el lenguaje de los hombres (del Hombre, es constructo patriarcal, masculino). El lenguaje ha sido y sigue siendo socialmente sexista.
La lucha de movimientos de carácter feminista –en particular dentro del arte, con grupos surgidos en los años 70 como Guerrillera Girls- y el trabajo individual de algunas mujeres, en la práctica artística o en la teoría, han logrado, cuanto menos, mostrar esta opresión de la lengua –a veces amordazada con el silencio o la ignorancia-; marcar la diferencia, la identidad sexual; sacar adelante lo específico del lenguaje femenino. Igualmente el psicoanálisis y las filosofías del lenguaje.
El arte, el creativo, el verdadero, está lleno de fisuras, que es por donde entra el deseo que mueve el lenguaje. Esto, a pesar del poder social del arte instituido, del academicismo anquilosado. O el tramposo mimetismo, descaradamente comercial y que satisface sin más al mercado del gusto dominante. Ni tampoco es aceptable, como me hace ver la artista Nuria Fuster, “el arte flojo y sensiblero, que es calificado de femenino”.
El arte verdadero, el que dice la verdad del sujeto, muestra en si mismo las diferencias de la sexualidad en todas sus formas. La homosexualidad de Leonardo o de David Hockney; la perversión en Shiegel; la complejidad sexual de Frida Kahlo, la militancia del cuerpo en Vanesa Brecoff... ¿Y qué me dicen del desplante ante el arte fálico masculino por parte de Artemisia Gentileschi con su “Judith y Olofernes”?


LA DIFERENCIA ALCOYANA
Si como me decía la artista Nuria Fuster, “Alcoy conforma una manera de ser”, el arte realizado por artistas aquí nacidas o que aquí elaboran su arte, estará marcado por estas diferencias. Ya digo, el autentico arte, libre y verdadero. El de las artistas que no hacen concesión a los lenguajes dominantes ni a las presiones ideológicas, sociales, de mercado o domésticas.
La mejor pintora alcoyana, Mila Gómez Vitoria, me habló en una ocasión de la libertad como principio de la creación artística. Libertad, en primer lugar, interior, personal, subjetiva. Además de ser la maestra de generaciones posteriores, sigue siendo la representación de la vanguardia y la modernidad. Polín Laporta, en su pintura y en sus escritos, mostraba todo la feminidad de su ser. Lo mismo Dori Cantó, que implica su condición de mujer tanto en la temática de sus series como en su realización formal. Del mismo modo, cada una a su manera, Nuria Fuster, Beatriz Rico, Mònica Jover, Jolanta Studzinska, Rosanna Antolí, Cruz Francés, Elba Abad y otras.
Y digo, de todas ellas, la feminidad auténtica, verdadera, y no la de la impostura social de la ideología patriarcal. La feminidad, hecha arte, la encontramos en jóvenes artistas que han tomado el arte plástico como forma de expresión de sus inquietudes, de los movimientos del espíritu ante lo real y ante sí mismas. De su concisión de mujeres que hacen arte, desde sí mismas y para mostrarse, primero conocerse, a si mismas.


ELLAS Y SU ARTE
Artistas que hacen obras conmovedoras; que nos mueven a la emoción estética y modifican nuestra mirada.
Después de ellas –de las obras, de estas artistas-, nuestra manera de mirar al mundo –cuanto menos el mundo de la representación plástica-, será diferente. Unas artistas, las que incluyo en este dossier, no escogidas al azar, sino deliberadamente. O quizás sí, por azar. Por la suerte que me condujo un día a conocer sus obras y a ellas misma.


Mi elección no responde a estilos, contenidos de referencia, trayectorias anteriores, edades o estatus profesional. Son artistas que han respondida a mis expectativas –aun desconocidas para mí-, que me han hecho ver la realidad plástica de una manera diferente, nunca vista por mí anteriormente de esa manera.


Esta es mi elección, a fecha de hoy, mi riesgo como crítico de arte y promotor de exposiciones, y mi expectativa ante el futuro, cuanto menos, de este arte procedente de manos femeninas.


Una proposición, como mi planteamiento teórico, que se abre al diálogo, al desarrollo dialéctico y a lo que nos depare a corto y medio plazo la continuidad de estas artistas. Dice Jolanta Studzinska que “esta abierta al diálogo con el público y con otros artistas”. Hago mías sus palabras.

J.L. Seguí. Ciudad de Alcoy. Octubre 2007